Paul Nash

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Paul Nash, le fils aîné de William Nash et de sa première épouse, Caroline Jackson, est né à Londres le 11 mai 1889. Son père était un avocat réputé qui est devenu le Recorder d'Abingdon. Selon Ronald Blythe : « En 1901, la famille retourna dans son Buckinghamshire natal, où le jardin de Wood Lane House à Iver Heath, et la campagne des collines de Chiltern, avec ses hêtres sculpturaux et ses contours crayeux, ont été les premières influences sur le développement de les trois enfants. Leurs vies ont été assombries par la maladie mentale de leur mère et Nash lui-même a été grandement aidé par sa nourrice qui, avec quelques voisins âgés, lui a fait découvrir l'univers des plantes.

Nash a fait ses études à la St. Paul's School et à la Slade School of Art, où il a rencontré Stanley Spencer, Mark Gertler, C. R. W. Nevinson, Edward Wadsworth, Dora Carrington, William Roberts et Claughton Pellew. Contrairement à certains de ses contemporains de la Slade School, Nash n'a pas été touché par les deux expositions post-impressionnistes organisées par Roger Fry en 1910 et 1912. Au lieu de cela, il a été influencé par le travail de William Blake. Il devint également un ami proche de Gordon Bottomley, qui s'intéressa vivement à sa carrière.

Nash a eu sa première exposition personnelle, de dessins à l'encre et au lavis, à la Carfax Gallery en 1912. L'année suivante, il a partagé une exposition à la Dorien Leigh Gallery avec son frère, John Nash. Le critique d'art Ronald Blythe a soutenu : « Grâce à l'enthousiasme de Michael Sadler et William Rothenstein, l'exposition, bien que modestement accrochée aux murs d'un magasin d'abat-jour et annoncée par une affiche artisanale, a été un succès. Myfanwy Piper, a ajouté : « Nash avait un sens remarquable de l'ordre et des subtilités de la présentation ; ses images étaient magnifiquement encadrées, ses dessins montés, son atelier soigné avec précision et décoration, et les objets qu'il collectionnait étaient transformés en compositions. »

Paul Nash était fortement attiré par Dora Carrington : il se souvint plus tard : " Carrington... d'autres attributs plutôt pittoresques mais attrayants, combinés pour faire d'elle une figure remarquable et populaire... Je l'avais remarquée bien avant que cela ne soit atteint, quand en tant que victime ennuyée dans la classe antique, mon attention a été soudainement fixée par la vue de cet amusant personne avec des yeux si bleus et des nattes incroyablement épaisses de cheveux rouge-or. J'ai eu une introduction à elle et j'ai finalement gagné son estime en lui prêtant mes bretelles pour une soirée déguisée. Nous étions au sommet d'un bus et elle les voulait alors et là."

Lors de l'épidémie, Nash envisagea la possibilité de rejoindre l'armée britannique. Il a dit à un ami : "Je n'ai pas envie de me précipiter et d'être un soldat. Toute cette maudite guerre est bien sûr trop horrible et je suis tout à fait contre le fait de tuer qui que ce soit, en parlant à la va-vite, mais à côté de tout ce que je crois que Jack et moi pourrions être plus utiles en tant qu'ambulanciers et hommes de la Croix-Rouge et à cette fin nous nous entraînons. être précipité dans une caserne étouffante et brutale pour passer les prochains mois pratiquement à ne rien faire d'autre que fanfaronner déguisé en soldat au cas où les pauvres Allemands égarés - débarqueraient. "

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Nash s'est enrôlé dans les Artists' Rifles. Il a dit à Gordon Bottomley : « J'ai rejoint l'Artists' London Regiment of Territorials, l'ancien Corps qui a commencé avec Rossetti, Leighton et Millais en tant que membres en 1860. Chaque homme doit faire sa part dans cette horrible entreprise, alors j'ai abandonné la peinture. Il y a beaucoup de gentilles créatures en ma compagnie et j'apprécie l'éclatement de l'exercice - marcher, s'entraîner toute la journée en plein air dans les parties agréables de Regents Park et de Hampstead Heath."

En mars 1917, il est envoyé sur le front occidental. Nash, qui a pris part à l'offensive d'Ypres, avait atteint le grade de lieutenant dans le Hampshire Regiment en 1916. Dans la mesure du possible, Nash a fait des croquis de la vie dans les tranchées. En mai 1917, il a été invalidé à la maison après un accident non militaire. Pendant sa convalescence à Londres, Nash a travaillé à partir de ses croquis pour produire une série de peintures de guerre. Ce travail a été bien reçu lorsqu'il a été exposé plus tard cette année-là.

À la suite de cette exposition, de Charles Masterman, chef du War Propaganda Bureau (WPB) du gouvernement, et des conseils d'Edward Marsh et de William Rothenstein, il a été décidé de recruter Nash comme artiste de guerre. En novembre 1917, au lendemain de la bataille de Passchendaele, Nash retourna en France. Le travail de Nash pendant la guerre comprenait La route de Menin, Le saillant d'Ypres la nuit, La piste des mules, Un obusier tirant, Pays en ruine et Le printemps dans les tranchées.

Nash était mécontent de son travail en tant que membre du War Propaganda Bureau. Il écrivait à l'époque : « Je ne suis plus un artiste. Je suis un messager qui ramènera la parole des hommes qui se battent à ceux qui veulent que la guerre dure pour toujours. Faible, inarticulé sera mon message, mais il aura une vérité amère et qu'il brûle leurs âmes pourries." Cependant, comme l'a souligné Myfanwy Piper : « Les dessins qu'il fit alors, d'arbres tondus dans des paysages en ruine et inondés, étaient les œuvres qui ont fait la réputation de Nash. Ils ont été exposés aux Leicester Galleries en 1918 avec ses premiers efforts de peinture à l'huile. , dans lequel il a été autodidacte et a rapidement réussi, bien que ses dessins réalisés sur le terrain aient eu un impact public plus immédiat. Musée de la guerre... Son imagination poétique, au lieu d'être écrasée par les terribles circonstances de la guerre, s'était étendue pour produire des images terribles - terribles en raison de leur combinaison d'appréciation détachée, presque abstraite, et de leur vérité apparente."

En 1919, Nash s'installe à Dymchurch dans le Kent, commençant sa célèbre série d'images de la mer, des brise-lames et du long mur qui empêche la mer d'inonder Romney Marsh. Cela comprenait Mer d'hiver et Étapes de l'église Dym. Nash a également peint les paysages des collines de Chiltern. En 1924 et 1928, il a eu des expositions réussies aux Leicester Galleries.

Malgré cet éloge populaire en 1929, son travail est devenu plus abstrait. En 1933, Nash fonda Unit One, un groupe de peintres, sculpteurs et architectes expérimentaux qui comprenait Herbert Read, Edward Wadsworth, Henry Moore, Barbara Hepworth, Edward Burra, Ben Nicholson et Wells Coates. Nash a également contribué à la Revue architecturale et Vie à la campagne et a écrit le Guide des coquillages du Dorset (1936).

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Nash a été employé par le ministère de l'Information et le ministère de l'Air et les peintures qu'il a produites au cours de cette période comprennent le Bataille d'Angleterre et Fourre-tout Meer. Son biographe, Myfanwy Piper, a soutenu : « Cette guerre a perturbé Nash mais n'a pas changé son art comme le précédent. Son style et ses habitudes se sont formés, et dans la nouvelle guerre, il a traité ses nouveaux sujets comme il avait traité ceux qu'il avait traités. avait pensé depuis si longtemps. Ses peintures tardives, à la fois à l'huile et à l'aquarelle, sont tour à tour brillantes et sombres en couleurs avec la lumière des soleils couchants et des lunes montantes qui s'étendent sur des paysages boisés et vallonnés.

Paul Nash est décédé au 35 Boscombe Spa Road, Bournemouth, le 11 juillet 1946.

Je n'ai pas envie de me précipiter et d'être un soldat. Il peut y avoir des urgences plus tard et je veux faire du forage localement et apprendre à tirer avec une arme à feu, mais je ne vois pas la nécessité pour une créature gentille comme moi d'être précipitée dans une caserne étouffante et brutale pour passer les prochains mois à ne pratiquement rien faire mais fanfaronnez-vous déguisé en soldat au cas où les Allemands, pauvres gars égarés, atterriraient.

J'ai rejoint l'Artists' London Regiment of Territorials, l'ancien Corps qui a commencé avec Rossetti, Leighton et Millais en tant que membres en 1860. Il y a beaucoup de belles créatures en ma compagnie et j'apprécie l'exercice intense - marcher, forer toute la journée à l'air libre air sur les parties agréables de Regents Park et Hampstead Heath.

Au milieu de l'événement monstrueux se tient l'Homme ; les milliers et les centaines de milliers, les combattants et les non-combattants ; qui ont tous un souhait et un objectif ; mettre de côté la guerre; rendre son effet invisible dans la mesure où ils peuvent être compris ; laisser une Paix bien méritée pousser son herbe sur les victimes et continuer comme avant.


Paul Nash

Le compositeur et guitariste de jazz orchestral Paul Nash est né dans le Bronx, à New York, en 1948. Fils d'un pianiste classique, il a goûté pour la première fois au succès musical en 1966 lorsque l'un de ses nombreux groupes de rock adolescents est apparu entre une inconnu Jimi Hendrix et tête d'affiche du Blues Project dans la légendaire discothèque de Greenwich Village Café Wha? Après avoir obtenu son diplôme du Berklee College of Music en 1972, Nash a déménagé à San Francisco, obtenant sa maîtrise en composition du Mills College quatre ans plus tard, il a ensuite fondé le Paul Nash Ensemble de dix musiciens, qui comprenait le trompettiste Mark Isham et le batteur Eddie Marshall. En 1979, il publie son premier enregistrement, A Jazz Composer's Ensemble. Second Impression a suivi en 1985, avec Night Language apparaissant en 1987. Cette même année, Nash était également une figure centrale dans la création du Bay Area Jazz Composers Orchestra, un collectif qui présentait un quatuor à cordes dans ses interprétations de nouvelles œuvres de compositeurs contemporains. . L'expérience BAJCO a continué à façonner la musique de Nash à son retour à New York en 1990 - avec la formation du Manhattan New Music Project, un ensemble comptant jusqu'à 16 membres dédiés à la création d'œuvres de compositeurs tels que Neal Kirkwood, Bruce Williamson et d'autres. . Le MNMP a produit deux disques : Mood Swing en 1993 et ​​Soul of Grace en 2000. Vers 1997, Nash a commencé à expérimenter des compositions spécifiques au site. Le plus réussi, "Still Sounds Run Deep", oblige les musiciens à s'organiser autour de grands espaces publics, jouant en harmonie avec les sons ambiants tout en maintenant des liens avec la partition originale et leurs collègues joueurs via des chronomètres et des instructions écrites. Nash est décédé à Manhattan le 27 janvier 2005, des complications d'une tumeur au cerveau à l'âge de 56 ans.


Paul Nash : Paysages de guerre

La guerre est une expérience très intense. Pour les poètes, la guerre inspire un torrent de mots déversés dans l'angoisse, pour les romanciers, la fiction offre un mince voile à travers lequel ils peuvent filtrer leurs peurs et leurs terreurs. Pour les artistes, la guerre est terrifiante et fascinante, non pas dans sa gloire, car il n'y a rien de tout cela, mais dans sa totalité. La guerre avale tout : efface la vie d'avant et diminue la vie d'après. Les artistes anglais qui ont passé des années à peindre la Grande Guerre ont présenté un portrait en gris fumée et brun boue d'une terre entaillée et marquée par les lignes de force futuristes. Dans les films contemporains sur la guerre, ces couleurs, cette morosité, la nature blanchie d'un monde foudroyé sont évoquées, inspirées par ces toiles. Peu importe qui l'artiste, Christopher Nevinson ou les frères Nash, peu importe le style, même John Singer Sargent, d'une toute autre génération, peint en dun : toutes les couleurs sont acides et mortes, écrasées sous le poids d'un bombardement constant. D'une manière ou d'une autre, la Slade School of Art, présidée par un groupe rétrograde d'artistes non éclairés, a en quelque sorte produit une génération qui a créé un langage moderne pour un art moderne. Peu de cette génération d'artistes de guerre a jamais trouvé la paix et peu ont jamais pu retrouver la créativité inspirée par le carnage.

L'artiste de guerre Paul Nash a vécu sous l'ombre de la mort, c'est toute sa vie. L'artiste a grandi dans des conditions difficiles, entachées par la dépression de sa mère qui a rendu impossible une enfance normale. De loin, il est difficile de diagnostiquer sa maladie, mais une dépression clinique semble probable, étant donné que son fils souffrait de la même maladie. Son père, avocat, a déménagé la famille à la campagne, dans le vain espoir que l'isolement serait utile à la santé de sa femme. Enfant, Nash a erré à travers les bois et les collines du Buckinghamshire, une belle et bucolique étendue de paysage anglais, aimée des poètes romantiques. Mais il a exploré, non pas en tant qu'artiste, mais en tant qu'enfant fuyant une atmosphère sombre. En effet, Nash a passé une grande partie de son enfance à lutter contre l'asthme, qui, au début du XXe siècle, pouvait être fatal. Pour un enfant, ne pas pouvoir respirer serait terrifiant. La lutte incessante pour respirer doit avoir pris une grande quantité d'énergie psychique, car il est arrivé à l'âge adulte sans vocation et est tombé dans la notion d'artiste presque au hasard.

Campagne du Buckinghamshire

Quand, après quelques années de formation commerciale en tant qu'illustrateur de livres, Nash, qui n'aurait jamais suivi de formation de peintre, est arrivé à la Slade School of Art, ou "The Slade", comme on l'appelait, et est tombé amoureux, comme a fait tous les jeunes hommes, avec Dora Carrington. Une partie du rite de passage à Slade, en plus d'aimer Carrington, était l'indomptable Henry Tonks, un professeur formidable et un critique sévère de tout ce qui est moderne, de l'affront du post-impressionnisme aux horreurs du cubisme et du futurisme. Tonks avait peu de respect pour Nash, qui avait beaucoup de mal à dessiner à la Renaissance, la seule façon de dessiner, bien sûr. Le fait que Nash admirait les préraphaélites, en particulier Dante Gabriel Rossetti, n'a pas fait grand-chose pour apaiser son professeur strict. Dès le début, Nash était un paysagiste et n'a jamais été un peintre figuratif dans la tradition classique, mais il a réussi à développer son propre style un peu rigide et original. Avant la guerre, lui et son jeune frère John ont réussi à se forger une réputation, existant quelque peu mal à l'aise parmi ce que le critique Roger Fry appelait les jeunes ou l'équivalent des Young British Artists du XXIe siècle. Ensuite, comme l'a souligné David Boyd Haycock dans Une crise d'éclat. Cinq jeunes artistes britanniques et la Grande Guerre, la guerre a éclaté, offrant à chacun des membres du groupe Slade un choix : adhérer ou ne pas adhérer ?

La Grande Guerre a perturbé les carrières artistiques dans toute l'Europe, mettant définitivement fin à l'avant-guerre avant-garde, éparpillant les écoles internationales d'art moderne. Les jeunes hommes britanniques ne furent enrôlés qu'en 1916, après plus d'un an de terribles massacres. Malgré les problèmes de santé fragile, qui le tourmenteront pour le reste de sa vie, lorsque la Grande Guerre éclate, Paul Nash s'engage et fait partie du régiment londonien des Artists’ Rifles à domicile. Comme Stanley Spencer, Nash s'était rendu à Londres pour suivre des cours, et comme Spencer, il avait été arraché à une Angleterre du XVIIIe siècle, vierge et vierge de toute modernité. Des douces collines verdoyantes du Buckinghamshire, surmontées de touffes d'anciens rassemblements d'arbres verts, s'étendant le long des collines de Chiltern, Nash s'est retrouvé dans la région du nord de la France et du sud de la Belgique. Autrefois semblable au Buckinghamshire dans sa verdure verdoyante, la région frontalière butant contre la Belgique et l'Allemagne, était la ligne de faille improbable de la Grande Guerre, coupée de la mer du Nord à la Suisse avec des lignes de tranchées. Les rangées de soldats, séparées par le No Man’s Land, se faisaient face avec la même précision que les lignes de marcheurs d'une guerre napoléonienne.

Comme son frère John Nash l'a observé dans son célèbre tableau Sur le dessus, les généraux, dans leur sagesse, ordonnèrent aux hommes d'avancer comme si la technologie militaire n'avait pas changé. Mais les canons tiraient maintenant de la poudre sans fumée, éliminant la couverture séculaire du nuage de fumée, les canons étaient désormais des fusils à répétition, capables de tirer une quinzaine de coups par chargeur, et, derrière les lignes de protection des tranchées se trouvaient les mitrailleuses qui faisaient claquer un grêle de balles qui pourraient tuer en masse sans même que les artilleurs aient à viser. Transfert hors des Artists’ Rifles afin de pouvoir servir sur les lignes de front, Nash est arrivé au saillant d'Ypres, ou renflement de la ligne de front vers les tranchées allemandes en 1917. C'était un territoire qui serait pilonné par trois batailles, la première , Deuxième et Troisième batailles d'Ypres, ou, comme on appelait la dernière bataille, "Passchendaele". Un officier, avec la vie des hommes sous son commandement, Paul Nash, un homme de la campagne, a remarqué les cicatrices de guerre sur le terrain environnant. Écrivant à sa femme, Margaret, il décrivit ce qui était un processus de destruction progressive : « Partout se trouvent de vieilles fermes, décousues et désordonnées, certaines bien sûr en ruine et désertes, toutes ont des toits rouges ou jaunes ou verts et par une journée ensoleillée, elles ont fière allure. Les saules sont orangés, les peupliers carmin à bourgeons, les ruisseaux brillent d'un bleu éclatant et des vols de pigeons tournent dans le champ. Mêlée à toute cette beauté normale de la nature, vous voyez l'étrange beauté de la guerre. En marchant lentement le long de la route, vous devenez progressivement conscient d'un bourdonnement dans l'air, d'un son qui monte et descend au gré du vent.”

Observateur éloquent du paysage en tant que carcasse, Nash a regardé la terre mutilée avec les yeux horrifiés et empathiques d'un amoureux de la nature : J'ai vu le plus affreux cauchemar d'un pays plus conçu par Dante ou Poe que par nature, indicible, absolument indescriptible. Dans les quinze dessins que j'ai faits, je peux vous donner une idée de son horreur, mais seul le fait d'être dedans et d'elle peut vous faire sentir son caractère affreux et ce à quoi nos hommes de France doivent faire face. Nous avons tous une vague notion des terreurs d'une bataille et pouvons évoquer avec l'aide de certains des correspondants de guerre les plus inspirés et des images du Daily Mirror une vision du champ de bataille, mais aucun stylo ou dessin ne peut transmettre ce pays - le cadre normal des combats qui se déroulent, jour et nuit, mois après mois. Seuls le mal et le démon incarné peuvent être maîtres de cette guerre, aucune lueur de la main de Dieu n'est visible nulle part. Le coucher et le lever du soleil sont blasphématoires, ce sont des moqueries pour l'homme, seule la pluie noire des nuages ​​meurtris et gonflés tout au long du noir amer de la nuit convient à l'atmosphère d'un tel pays. La pluie continue, la boue puante devient plus jaune diabolique, les trous d'obus se remplissent d'eau vert-blanc, les routes et les pistes sont couvertes de pouces de boue, les arbres noirs mourants suintent et suent et les coquilles ne cessent jamais. Eux seuls plongent au-dessus de la tête, arrachant les souches d'arbres pourrissants, brisant les routes en planches, abattant chevaux et mulets, anéantissant, mutilant, affolant, ils plongent dans la tombe qu'est cette terre une tombe immense, et y jettent les pauvres morts . C'est indescriptible, impie, sans espoir. Je ne suis plus un artiste intéressé et curieux, je suis un messager qui ramènera le mot des hommes qui se battent à ceux qui veulent que la guerre dure pour toujours. Faible, inarticulé, sera mon message, mais il aura une vérité amère, et puisse-t-il brûler leurs âmes pourries.”

Paul Nash. Après la bataille (1918)

Dans une émission de 2014 pour la BBC, Andrew Graham-Dixon a visité les tranchées d'Ypres, retraçant les pas de Nash à travers les fentes en zigzag du sol, bordées de tôle ondulée. Graham-Dixon a expliqué l'état d'esprit de Nash, qui est arrivé avec son amour d'enfance pour la tradition de l'absurde dans la littérature anglaise. En montrant comment les hommes vivaient dans des trous, Graham-Dixon a souligné l'étrangeté surréaliste de cette étrange existence souterraine. Ce n'est pas un hasard si Le Hobbit et la Terre du Milieu ont émergé comme littérature sous la plume de J. R. R. Tolkien. En 2014, peu après la diffusion de la BBC sur Nash, un livre intéressant de Joseph Laconte traitait de l'émergence d'un nouveau type de littérature anglaise après la guerre. Un Hobbit, une Garde-Robe et une Grande Guerre. Comment J. R. R. Tolkien et C. S. Lewis ont redécouvert la foi, l'amitié et l'héroïsme dans le cataclysme de 1914-1918 a été décrit comme “Pour une génération d'hommes et de femmes, cela a mis fin à l'innocence et à la foi. Pourtant, pour J. R. R. Tolkien et C. S. Lewis, la Grande Guerre a approfondi leur quête spirituelle. Les deux hommes ont servi comme soldats sur le front occidental, ont survécu aux tranchées et ont utilisé l'expérience de ce conflit pour enflammer leur imagination chrétienne. S'il n'y avait pas eu de Grande Guerre, il n'y aurait pas euHobbit, non le Seigneur des Anneaux, non Narnia, et peut-être pas de conversion au christianisme par C. S. Lewis.”

Paul Nash. Pays en ruine (1917)

Mais pour Nash, il n'y avait pas de caractéristiques spirituelles rédemptrices dans le paysage sauvage qui ressemblait au côté obscur de la Lune ou à ce "monde à moitié enterré" avec ses "étranges cicatrices métalliques" décrites par Graham. Dixon. Le paysage lunaire d'Ypres contrastait fortement avec celui de Nash, le paradis anglais, où lui, son frère et sa sœur ont grandi. Au lieu de faucons plongeant dans les bois près de sa maison d'enfance, des avions se sont précipités le long des lignes, photographiant les tranchées. Au lieu des vieux arbres couverts de mousse avec leurs racines anciennes, il n'y avait que des éclats fragiles survivants qui montaient du sol. Les vignes et le feuillage ont été remplacés par des nids de barbelés torsadés. La seule lumière était celle qui se reflétait sur les flaques d'eau stagnantes dans les cratères de bombes, qui flottaient sur la plus grande mer de boue. Nash a dessiné tout ce qu'il a vu et, absorbé par son travail, est tombé dans la tranchée et s'est cassé la côte. Il ne savait pas que son service à Ypres était pendant une rare accalmie entre les batailles, car alors qu'il était invalide chez lui, son régiment a reçu l'ordre de passer à l'action, attaquant la tristement célèbre colline 60. Peu sont revenus.

Lorsque Nash est revenu sur ces champs de bataille, c'était un artiste de guerre officiel, qui a cessé d'être un artiste et qui est devenu un messager, déterminé à brûler le public avec la vérité de la guerre. “Je me rends compte que personne en Angleterre ne sait à quoi ressemble la scène de la guerre,” il a écrit, “Ils ne peuvent pas imaginer le contexte quotidien et nocturne du combattant.” Vers la fin de la guerre en mai 1918, Nash a organisé une exposition de son dessin de la guerre, sombre et rayé et serré d'anxiété et de traumatisme, ainsi que ses premières peintures. Le titre de l'exposition était Le vide de la guerre, une phrase subversive, secouant le gouvernement censeur, nerveux à l'idée de dire la vérité dans ce qui semblait être une guerre sans fin. La peinture était encore plus mordante, Nous créons un nouveau monde (1918), un paysage de monticules vert acide composé de bombardements sans fin. Des arbres noirs se dressent et se penchent avec étonnement, gravés sur un fond de collines de Sienne surplombant un sinistre soleil blanc aux rayons perçants. Voilà donc le nouveau paysage, fait d'explosifs.

Paul Nash. Nous créons un nouveau monde (1918)

La peinture la plus connue de Nash était l'immense peinture d'histoire, s'étendant sur six pieds, La route de Menin. Il s'agissait d'une peinture commandée, un projet du ministère de l'Éducation, qui était censé montrer l'héroïsme et peut-être la gloire de la guerre prétendument gagnée. Ces deux peintures monumentales et troublantes montrent un changement de style pour Paul Nash. Selon Haycock, Nash a accepté le style futuriste de Christopher Nevinson, réalisant que seul un style moderne pouvait expliquer une guerre moderne. Nash a abandonné les hachures minutieuses et le souci du détail au profit d'une large manipulation de la peinture à l'huile inconnue, de la couleur de la boue et de l'eau stagnante. Une fois de plus, l'immense tableau confronte le spectateur au vide, dépourvu de traits rédempteurs, lui demandant brusquement si la perte en valait la peine.

Paul Nash. La route de Menin (1918)

Comme la plupart des paysages de cette région flamande, aucun des villages précédents et leurs routes avaient été effacés. Le titre doit être lu comme ironique, car la route a disparu, mais ce tableau marque le site de la bataille de Menin Road, une partie de la troisième bataille d'Ypres, la bataille où son régiment a été perdu. À sa manière, Nash commémorait la mort des hommes qu'il avait autrefois dirigés. Comme la Route, ils n'existent plus. Sa route flamande est Meenseweg ou la route de Menen, connue dans l'histoire sous son nom français, Menin. La Route, la route principale pour sortir d'Ypres, une sortie de l'Enfer qu'était ce champ de bataille, fut l'un des sites les plus bombardés de la Grande Guerre. A proximité se trouvaient le tristement nommé Sanctuary Wood et le grand Hooge Crater, l'un des énormes gouffres caractéristiques de cette guerre. Aujourd'hui, le champ de bataille est surveillé par la porte de Menin, gravée des noms de 54 389 officiers et de leurs hommes dont les corps n'ont jamais été retrouvés. À titre de comparaison, ce nombre n'est que de quelques milliers de moins que le nombre total de morts pendant la guerre du Viet Nam.

Comme beaucoup de ses collègues, Nash ne s'est jamais vraiment remis de la Grande Guerre. Ses paysages sont impersonnels, dépourvus de présence humaine et de pathétique. Nous ne voyons aucun mort ou blessé, seulement un soldat occasionnel, naviguant sur le terrain marqué par la gale. Décrire les causalités était une tâche qu'il laisserait à son professeur strict, Henry Tonks, qui serait entraîné dans le vingtième siècle et forcé de le regarder dans son visage mutilé. L'élève et l'enseignant se reflètent, l'un montrant des paysages sans précédent, des lieux qui n'auraient jamais pu exister sans l'intervention d'une guerre moderne, l'autre peignant des visages détruits d'une manière entièrement nouvelle. Après la guerre, Nash s'est tourné vers le surréalisme comme pour exprimer d'une manière ou d'une autre son incapacité à accepter la paix et sa lutte pour surmonter la dépression. Il a vécu juste assez longtemps pour peindre la dévastation d'une autre guerre, cette fois en se concentrant sur la guerre aérienne dans ce qui a dû être considéré comme des actes de réexécution de la mort. Nash, comme le dit sa pierre tombale, est mort dans son sommeil d'une crise cardiaque, à sa manière, une victime de la guerre.

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Dr Jeanne S. M. Willette et Histoire de l'art sans farce.


Grand art britannique : La bataille d'Angleterre par Paul Nash

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Description de la peinture par Paul Nash, écrite pour le Comité consultatif des artistes de guerre : Allemagne. La scène comprend certains éléments constants pendant la bataille d'Angleterre - la rivière serpentant de la ville et à travers le pays desséché, jusqu'à la mer au-delà, les rives du continent, au-dessus, le cumulus se concentrant au coucher du soleil après une chaude journée brillante à travers les espaces du ciel, des traînées d'avions, des traces de fumée de machines mortes ou endommagées qui tombent, des nuages ​​flottants, des parachutes, des ballons. Contre l'approche du crépuscule de nouvelles formations de la Luftwaffe, menaçante, la peinture révèle majestueusement les possibilités de l'art engagé dans l'histoire. Son ambition et l'ampleur du décor impressionnent d'emblée, nous contemplons une immense partie de la Manche et de la France au-delà.

Réalisé au moment de la bataille, le tableau résume son échelle et son importance. Cependant, ce n'est pas seulement une image de la guerre moderne, avec sa violence et sa destruction, ou même une victoire emblématique, c'est aussi une réaffirmation de la valeur de l'art et de la défaite du nazisme. Nash, un critique féroce de la façon dont les combats sur le front occidental de la Première Guerre mondiale avaient été menés, était immédiat et constant dans sa répulsion envers l'Allemagne nazie et sa culture. Dans le tableau, les défenses s'élèvent comme si elles sortaient du paysage même de l'Angleterre pour rencontrer les machines de guerre fascistes. plongeant dans la terre même qui les a vaincus. Richard Seddon, élève de Nash, a vu ce travail au studio de Nash à Oxford. Il a conseillé à Nash d'inclure plus de traînées de fumée noire et a peint un exemple sur la toile. Lorsque le tableau a été exposé à Londres, la traînée noire de Seddon était encore visible sur la toile. Margaret Nash a offert à Seddon une lithographie du XIXe siècle d'une tempête à Paris que Nash a adaptée pour former la composition de la bataille d'Angleterre. Nash a remis l'œuvre au Comité en octobre et elle a été exposée à la National Gallery en janvier 1942.

La peinture est une tentative de donner le sens d'une bataille aérienne en opération sur une vaste zone et résume ainsi la grande victoire aérienne de l'Angleterre sur l'Allemagne. La scène comprend certains éléments constants pendant la bataille d'Angleterre - la rivière serpentant de la ville et à travers le pays desséché, jusqu'à la mer au-delà, les rives du continent, au-dessus, le cumulus se concentrant au coucher du soleil après une chaude journée brillante à travers les espaces du ciel, des traînées d'avions, des traces de fumée de machines mortes ou endommagées qui tombent, des nuages ​​flottants, des parachutes, des ballons. Contre le crépuscule qui approche de nouvelles formations de la Luftwaffe, menaçantes.

Paul Nash était l'un des artistes britanniques les plus connus au moment de la Seconde Guerre mondiale. En tant qu'ancien artiste de guerre officiel, il était un choix logique pour remplir à nouveau le rôle, en particulier en tant que patriote qui croyait en l'utilisation des beaux-arts pour la propagande. La bataille d'Angleterre démontre cet aspect des perspectives de Nash. Il présente un exemple de la lutte réussie du RAF Fighter Command contre la Luftwaffe en 1940. Les chasseurs de la RAF balaient le long de la Manche pour briser les formations avancées de la Luftwaffe dans un ciel d'été rempli de traînées de vapeur, de parachutes, de ballons et de nuages. La peinture est un résumé imaginatif de l'événement plutôt que littéral. Nash privilégie le symbolisme et l'allégorie à l'exactitude des faits. Les ballons de barrage et les avions vus d'en haut ne sont pas proportionnés aux suggestions sombres des villes vulnérables ci-dessous. Géographiquement, la peinture suggère l'estuaire de la Tamise, avec la Manche et la France au-delà, mais encore une fois l'accent est mis sur la visualisation imaginative.


L'art en guerre : explorer une peinture

L'un des moyens de tirer le maximum de plaisir d'une œuvre d'art est d'en savoir le plus possible sur le sujet, l'artiste et son contexte historique. Que peut-on découvrir sur Totes Meer de Paul Nash ?

Quand ce tableau a-t-il été commandé ? Quelle a été la réaction du commissaire une fois terminé? Y a-t-il une signification plus profonde dans le sujet ? Sélectionnez les sujets pour en savoir plus.

Que représente l'image ?
La scène se passe à l'unité de récupération des métaux et des produits à Cowley, près d'Oxford - une décharge d'avions pendant la Seconde Guerre mondiale. La peinture a été réalisée peu après la bataille d'Angleterre. C'est la propre description de l'artiste de ce qu'il a vu.

D'autres questions que vous pourriez explorer en regardant une peinture pourraient être : la peinture est-elle un type reconnaissable - un portrait ou un paysage ? Y a-t-il des éléments reconnaissables dans la peinture, un repère, un objet ou une personnalité, par exemple ? Is the painting describing an event or a response to an event? Does the title or date offer any clues?

The artist and the commission
Paul Nash had established his reputation during World War One when his art became a strident and angry response to the Western Front, using the destruction of the landscape as a metaphor for the cost of the war. During the interwar years, his work adapted surrealism to the English landscape, animating incongruous, surprising or unusual objects within a traditional setting of urban or pastoral scenes. This inter-relationship arouses a sense of a hidden, almost mystical ordering of the land. He was employed as an official artist attached to the RAF during World War Two and produced first a series of British aircraft as aerial creatures, animated and ready for action then a series of crashed German planes.

Paul Nash had been commissioned by the War Artists Advisory Committee. Its chairman, Kenneth Clark, Director of the National Gallery declared Totes Meer to be 'the best war picture so far I think'. It was an immediate success when displayed at the National Gallery in May 1941.

As a major British artist, there are a number of exhibition catalogues and books devoted to Nash’s work. Looking at the themes and subjects he was interested in will start to give some insights into this particular painting. In addition, Nash wrote frequently about art, including his own and this is another useful source, for instance his own description of Totes Meer is very revealing of what he saw and understood about the aircraft dump. Another way to understand Nash’s own vision is to compare his paintings of planes with those of other artists during World War Two.

Historical significance

Whereas for Hitler, modern art was at best a means of foreign currency and at worst morally degenerate, for Nash it had an explicit purpose - the defeat of Nazism, itself. “I want to use what art I have and what I can make as directly as possible into the character of a weapon”, he wrote. Immediately, Nash saw further propaganda possibilities in this painting and he anxiously sought out official figures of the numbers of planes brought down - information that could be printed on the back of a postcard reproduction and then dropped over Germany. The message was clear Britain’s borders are absolute and its defence unforgiving, every Nazi invader is repelled or defeated and then added to victorious tally. Nash was prepared to alter and corrupt the image further. Taking a postcard sized reproduction he added a photograph of Hitler’s head. Perhaps the end result loses the coldness of the original, but the joke and ambition is clear.

What does the painting symbolise?
The Cowley Aircraft dump contained as many, if not more, British planes, but it is the German ones Nash has chosen to represent and German title (‘dead sea’) indicates the final destination of the planes. Here the detritus of Nazi over-ambition fills the landscape and completes the picture. He is not specifically interested in the construction detail but the whole mass – the sea. Within that, certain elements, such as the central wing with the German markings, are stretched to give the impression of movement. The scene is painted at night when the eye is easily misled or mistaken, and any sort of movement threatening. In contrast the land is fertile, gentle and rolling. Nash did not see the owl as symbolic, but the watchful eye of a hunting bird is a reminder of the forces that brought the German planes down.

The one obvious symbol in the painting is the aircraft marking, identifying the nationality of the planes. Interpreting symbols is very difficult: recognising a crashed German plane would please a British audience, but think of how a German public would respond to the same sign. Rather, it is important to piece together all the elements of a painting and its title and to look for signs and symbols as part of this whole. Are their elements of the painting that support one another, or are there a deliberate contrasts or surprising juxtapositions?


Paul Nash: Outline, An Autobiography

Paul Nash was one of the most important British artists of the twentieth century. An official war artist in both the First and the Second World Wars, his paintings include some of the most definitive artistic visions of those conflicts. This new edition of Contour is published to coincide with a major Nash retrospective and incorporates an abridged edition of the unpublished ‘Memoir of Paul Nash’ by his wife Margaret.

La description

Paul Nash (1889-1946) was one of the most important British artists of the twentieth century and an official war artist in both the First and the Second World Wars. This new edition of Nash’s unfinished autobiography, Contour, is published to coincide with the Tate's major Paul Nash retrospective and incorporates an abridged edition of the previously unpublished ‘Memoir of Paul Nash’ by his wife Margaret.

Nash started writing Contour in the late 1930s, but it was left incomplete on his sudden death in 1946. Nash had struggled to complete the book, finding that he could not get beyond the beginning of the Great War. Contour is, nevertheless, one of the great English literary works of the period, for Nash was a gifted writer. His autobiography offers considerable insights into to the young life of the artist himself, and the development of his personal and very distinctive vision.

When eventually published in 1949 his incomplete memoir was supplemented by letters that Nash wrote to his wife from the Western Front in 1917. This new edition includes these letters for the vivid insight they give into Nash’s experience of the war. The third element of the new edition is Margaret Nash’s revealing (and previously unpublished) 1951 memoir of her husband. What emerges through these different narrative voices and perspectives, enhanced with photographs of Paul and Margaret Nash and reproductions of key works from throughout Nash's career, is a fascinating portrait of a major figure in Modern British art.

David Boyd Haycock is a freelance writer, curator and lecturer, specialising in British art and culture in the first half of the 20th century. He is the author of a number of books, including Paul Nash (2002), A Crisis of Brilliance: Five Young British Artists and the Great War (2009) and Paul Nash: Watercolours, 1910–1946 (2014).


Catalogue

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Nash, Paul. & Perkinson, Henry J. & Kazamias, Andreas M. (1965). The educated man : studies in the history of educational thought. New York : Wiley

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Nash, Paul. and Perkinson, Henry J. and Kazamias, Andreas M. The educated man : studies in the history of educational thought / [edited by] Paul Nash, Andreas M. Kazamias [and] Henry J. Perkinson Wiley New York 1965

Australian/Harvard Citation

Nash, Paul. & Perkinson, Henry J. & Kazamias, Andreas M. 1965, The educated man : studies in the history of educational thought / [edited by] Paul Nash, Andreas M. Kazamias [and] Henry J. Perkinson Wiley New York

Wikipedia Citation
The educated man : studies in the history of educational thought / [edited by] Paul Nash, Andreas M. Kazamias [and] Henry J. Perkinson

Includes bibliographical references.

The guardian: Plato, by J. J. Chambliss.--The orator: Isocrates, by C. M. Proussis.--The Stoic: Zeno, by J. E. Rexine.--The Christian: Augustine, by P. Kibre.--The Scholastic: Aquinas, by J. W. Donohue.--The classical humanist: Erasmus, by F. E. Schacht.--The pansophist: Comenius, by J. K. Clauser.--The gentleman: Locke, by K. D. Benne.--The natural man: Rousseau, by S. E. Ballinger.--The scientific humanist: Huxley, by C. Bibby.--The communal man: Marx, by P. Nyberg.--The reflect.

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Epidemiology and natural history of non-alcoholic fatty liver disease

Non-alcoholic steatohepatitis (NASH) is part of the spectrum of non-alcoholic fatty liver disease (NAFLD) that leads to progressive liver disease and presents a growing challenge to public health. Because of the increased prevalence of metabolic syndrome and obesity, NAFLD and NASH have expanded to a substantial extent. In NASH patients, advanced fibrosis is the major predictor of morbidity and liver-related mortality, and an accurate diagnosis of NASH is mandatory. Although there is currently no validated test of serum biomarkers available to diagnose NASH, and histologic evaluation with a liver biopsy remains the gold standard, screening for fibrosis is recommended in patients with suspicion of NASH. Clinical prediction models and serum biomarkers for advanced fibrosis have relatively good negative predictive value and can be useful for screening. Also, transient elastography is increasingly available to estimate fibrosis in NASH. Therefore, due to the lack of a reliable and accepted non-invasive diagnostic modality, screening for NASH in the general population is not currently recommended. Better understanding of the natural history of NASH is needed to evaluate the utility and cost-effectiveness of screening.

Keywords: Epidemiology Fibrosis NAFLD NASH Screening.


Paul Nash: haunting paintings from the battlefields of war

War may have broken the spirit, but it made the artist. Paul Nash had always been a singularly talented painter with a mystical, neo-romantic vision of the natural world – but it was the horrific conflagration of war on an industrial scale that almost certainly shaped him to become one of the greatest British landscape painters of the 20th Century. The effect of World War One on his artistic maturity was profound, and his war paintings among his greatest masterpieces.

Nash’s war started quietly enough. Two months after its outbreak he enlisted as a private in the Artists’ Rifles, a London regiment that oversaw ground duties at the Tower of London. It was a full two years before he received officer training to fight at the Front, by which time conscription for married men – he had married the Suffragette Margaret Odeh in December 1914, five months after the outbreak of the war – had been introduced.

It was only near the end of 1917 that Nash became an official war artist. He had put in the request while recuperating in London, having fallen into a trench at Ypres in Belgium and broken a rib. The accident saved his life: just a few days later, most of the men in his regiment were killed at the Battle of Passchendaele.

Despite his fluency and eloquence as a writer – his wartime letters to Margaret brilliantly express his despair and bitter anger at the destruction that surrounded him – it was a loss that he was never able to speak of directly. In some ways, the profound shock of it must have echoed the loss of his mother, who had died in a mental institution when Nash was 20. He may even have feared such a fate himself (just as, incidentally, that other great British landscape painter, JMW Turner had like Nash, Turner’s mother had died in an asylum). He suffered from bouts of severe depression throughout his life, and his wartime experience would leave him, though no less productive, mentally and emotionally debilitated for years.

These biographical details are not incidental to Nash’s creative development. They provide an insight into the strange and haunted mood of his paintings, though they are somewhat hastily glossed over or left unmentioned in the otherwise superb Paul Nash retrospective currently at London’s Tate Modern. The survey features not only his most powerful war paintings, but devotes considerable space to the influence of the European avant-garde, particularly Surrealism, on his later output, in which that mood of disquiet becomes even more pronounced.

Before the outbreak of WW1, Nash had produced detailed, neatly precise drawings of wooded vistas and airy garden idylls in ink, chalk and pencil. Dreamlike, they occasionally featured stiff, somnambulant figures and were sometimes, rather prettily, overlaid with watercolours. (It was only in 1918 that he began working with oil paints.) These early pictures were in the tradition of ‘visionary’ artists such as Samuel Palmer and William Blake, though direct inspiration also came from Pre-Raphaelite Dante Gabriel Rossetti, not so much for the latter’s Victorian medievalism but for his embodiment of the spiritual in art.

From the start Nash’s own work was imbued with a spirit of place, the so-called genius loci. But it was a very different spirit that confronted him in Flanders in the winter of 1917 when, having recovered from his injury, he returned to the Front – a barren land of churned mud pockmarked with huge flooded shell craters that was barely passable. Death was all around, from shattered tree stumps to the twisted and mutilated bodies of soldiers. Not a dream, of course, but a waking nightmare.

Nash was never particularly gifted at capturing the human form soldiers, dead or alive, rarely inhabit Nash’s battered landscapes. In any case, the government censor would not have allowed for the depiction of dead soldiers – which, of course, would not have helped in the war effort. Unlike his fellow war artists, however, including his brother John Nash, Nash was most unusual in hardly depicting them at all, and never as the main focus of the image.

Wire, 1918 © Imperial War Museum, London

Instead it’s nature that is disturbingly violated by the deadly weapons of war. It is always the aftermath of battle he depicts, not the tense moment just before an attack, nor the dramatic moment during it. We see how the depiction of the suffering of the Earth takes on an almost religious quality in Wire, a watercolour from 1918. The sheet of barbed wire encases the lone tree stump whose erupted form suggests a crown of thorns, while the other distant tree stumps resemble stakes ploughed into the barren ground. We see how, in an almost monochrome painting, the corner of a sky appears like an ominously spreading bruise in red and mauve.

Anger comes through in the mocking title of one painting. We Are Making a New World (also from 1918) shows tree stumps, like a group of eerie sentinels, featured against a high horizon, over which a cold, chalk-white sun spreads its watery rays like thin search beams. Unable to warm the hard clumps of shattered earth, the sun is no longer a life-giving force.

We Are Making a New World, 1918

But Nash’s greatest WWI painting, and, at 6ft (1.8m) across, his most monumental, is the utterly arresting The Menin Road, 1919 (above). This time, unusually, we find the barely discernible figures of four soldiers attempting to move across the unforgiving, shell-shattered terrain. The painting’s dramatic diagonals and verticals show how Nash had adopted the hard intersecting planes of the English avant-garde Vorticist group. Commissioned by the Ministry of Information for a Hall of Remembrance that was never built, the painting was intended to celebrate the national ideals of heroism and sacrifice. This complex work is, perhaps deliberately, ambivalent on that front. But it does nonetheless express a kind of doomed magnificence.

Due to his war experiences, Nash suffered a terrible and protracted breakdown. In 1921, he moved with his wife to Dymchurch on the Kent coast, where he painted some of his most unrelentingly stark paintings of the barren coastline. In one, Winter Sea, which he actually began in 1925 but didn’t finish until years later, the waves of the sea are shown as angular folds in grey, black and white. The close-up surface of the sea, the severe perspective and the pitch-black horizon all suggest that we might be looking at a precipitous pathway leading toward eternal darkness.

Totes Meer (Dead Sea), 1940-1, © Tate

Nash’s adult life was bookended by war. When the lights dimmed across Europe a second time, he was again commissioned to work as an official war artist, though this time Nash, whose health was increasingly fragile, remained in Britain. His most powerful painting of World War Two is Totes Meer, the title meaning ‘Dead Sea’ in German. Instead of showing us a path towards eternal darkness, Nash painted a surreally undulating sea of crashed German bombers at Cowley, Oxfordshire, the site of a ‘graveyard’ for crashed enemy planes.

Less than a year after the war’s end, Nash died in his sleep of heart failure, aged 57. Chronic asthma had made him increasingly sickly during the last 10 years of his life. But his last series of paintings, depicting a mysterious equinox of huge sunflowers – airborne precursors of death, the soul as a floating presence – are among his most colourfully seductive and lyrically beguiling.

This feature appeared on BBC Online on 11 November, 2016, as part of Remembrance Day commemorations


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